È molto, molto peggio. Tratto da un libro illustrato per bambini (”Nel Paese Dei Mostri Selvaggi” di Maurice Sendak, l’ho letto ed è molto meglio del film), il film narra del piccolo Max e della sua esplosiva immaginazione che lo trasporta dalla noia della realtà all’avventura di un mondo fantastico. Narnia, appunto, ma anche il capostipite “Alice Nel Paese Delle Meraviglie” e la folta schiera di emuli che va da “La Storia Infinita” a “Un ponte Per Terabithia”. In questo caso la natura incontaminata ospita un pugno di pupazzi depressi nati dall’incrocio tra “Labyrinth” e L’Albero Azzurro, e cercando di risolvere i loro problemi Max capirà com’è difficile essere grandi.Un’epifania lenta e noiosamente dolorosa per un film piatto come una bambina di 5 anni. Nessun colpo di genio, nessuna prospettiva originale dalla quale guardare una storia così scontata, e la totale assenza di piccoli tocchi da maestro che uno come Spike Jonze dovrebbe infilare anche in un film per bambini - come alla fine si rivela essere questo.

“Nel Paese Delle Creature Selvagge” è un film che avrebbe potuto fare chiunque, e che più di uno ha già fatto. Da Jonze è lecito pretendere più di qualche immagine carina.

 Articolo pubblicato su Loudvision 

Exalead opera in diversi mercati, sia in Europa che nel mondo. Qual è lo stato dell’arte della domanda della Pubblica Amministrazione?

Il mercato della PA è senza dubbio in fermento, alcuni temi importanti, che già da tempo la fanno da padrone negli Stati Uniti d’America si stanno affermando nelle realizzazioni e nei bisogni della PA Europea e, sorprendentemente, in quella dei paesi poveri oltre che emergenti. La PA italiana mostra di voler utilizzare un approccio sistemico per affrontare i problemi della usability, evidentemente legata al bisogno della democratizzazione di massa e del diritto ‘a sapere’ del cittadino, dell’accessibilità, connessa ai bisogni di equità e trasparenza; e di privacy, problematica legata a doppio filo alla libertà ed alla sicurezza, verso la quale siamo tutti più sensibili. Infine un tema di estrema attualità: l’efficienza e l’ottimizzazione delle risorse. Se la realtà statunitense ha avuto una grande spinta sia dalla diversa cultura organizzativa della PA che dall’assetto federale dello stato, il progressivo decentramento di poteri, che si sta profilando anche in Italia, e la rinnovata sensibilità verso una gestione il più possibile efficiente dei complessi apparati dello Stato, lasciano ben sperare per il futuro.

In base alla vostra esperienza internazionale, cosa dovrebbe imparare la PA italiana da realtà di altri paesi?

Sicuramente gioverebbe una maggiore reattività decisionale, penso all’adozione di soluzioni che, come Exalead fa con successo da anni, perseguano, in concreto, risparmi enormi nella gestione dello spaventoso patrimonio informativo in carico alla PA, abilitino servizi al cittadino più tempestivi, determino meno errori e meno costi – a beneficio di tutti – ottimizzando lo stato di molti processi, anche e soprattutto dei più complessi. È importante anche conoscere i propri cittadini, non è un caso se la nostra soluzione permette di fare una fotografia dei loro comportamenti in tempo reale, utile a ricalibrare modalità e servizi su cui è utile investire.

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“Donnie Darko” è un film di culto, nato nella silenziosa indifferenza e poi fiorito in una moltitudine di comunità sul web, tutte intente a districarne una trama complessa, ricca di dettagli e citazioni. L’inspiegabile attesa di ben 8 anni per vedere un sequel è tristemente spiegata dal sequel stesso: “S. Darko” è un film brutto ed è comprensibile che Richard Kelly si sia pubblicamente dissociato dal lavoro di Chris Fisher.

La storia è incentrata su Samantha Darko, la sorellina di Donnie che è cresciuta con la mente distorta dalla tragica morte del fratello, con il quale condivide sonnambulismo, instabilità mentale e sfiga. La prima parte del film è incentrata su Sam e la sua amica che viaggiano nel deserto nella parte di Thelma e Louise dei poveri, per finire in una piccola comunità dove vivono stereotipi tanto caricaturali che sembrano usciti fuori da “Scary Movie”. C’è il duro-col-cuore-tenero, c’è il nerd occhialuto, il prete con un passato burrascoso e lo scemo del villaggio, un personaggio secondario fondamentale nell’ottica dei viaggi nel tempo. Tu guardi mezz’ora nella quale non succede niente (ma niente davvero) prestando attenzione ai dettagli più insignificanti: ogni frase, oggetto o evento potrebbe essere un elemento chiave che spiegherà il casino spazio-temporale che scoppierà di lì a poco!

La storia va avanti stancamente con dialoghi che oscillano dal nulla assoluto al ridicolo, con punte di assurdo quando i giovani ribelli diventano sboccati parlando di satana, scopare, fica. Uscite che sarebbero potute risultare irriverenti in un episodio di “Dawson’s Creek”, anche se in quel caso a dirle sarebbero stati personaggi più profondi e in un contesto molto più carico di tensione emotiva. Qui tutta la tensione si risolve nelle apparizioni di Sam “del futuro”, un altro dei picchi del film. Immaginatevi questo zombie che è accompagnato da un tuono ogni volta che appare e ogni volta che parla. La prima volta sortisce un misero effetto-boo! ma siccome la cosa si ripete anche 10 volte in un minuto, il risultato finale è piuttosto un effetto-Frau Blücher. Come in “Frankenstein Junior”, ma qui non c’è proprio niente da ridere. Pazienza, siamo a metà film ma riluce ancora una flebile speranza che tutta questa noia possa presto essere riletta alla luce del paradosso temporale che sta per deflagrare!

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“Donnie Darko” riduce il viaggio ai minimi termini, portandolo a soli 28 giorni, e mutua proprio dal film di Terry Gilliam la caratteristica del loop. In entrambi i casi, infatti, il tessuto temporale è circolare. Compito di Donnie Darko è quello di interrompere questo circolo e restaurare l’universo così come lo conosciamo. A fronte di un salto tanto breve, le conseguenze danno origine a una trama troppo intricata, e non solo per l’interazione dei protagonisti con le varie realtà. Da un lato le cose sono complicate dall’instabilità mentale di Donnie che, tra allucinazioni e autoerotismo dallo psichiatra, fa dubitare sulla veridicità stessa del viaggio nel tempo. Dall’altra ci si mette anche il montaggio, tagliando parti fondamentali per la comprensione della storia… salvo poi ripescarle nell’edizione Director’s Cut del DVD. Proprio questo aspetto è la pecca maggiore del film, che potrebbe essere evitato perché “non si capisce un cacchio”.

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A salire sul palco sono invece i Franz Ferdinand, che decidono di partire fortissimo facendo deflagrare “This Fire”, coinvolgendo subito tutta la platea, che non smetterà di saltare fino alla fine del concerto. Seguono altre 2 hit: “No You Girls” dall’ultimo album e “Do You Want To” da “You Could Have It So Much Better”. Una tripletta eccezionale che attraversa l’intera discografia della band e conquista anche chi non era lì per loro. Alex Kapranos e i suoi sono in forma e lo dimostrano con l’impeccabile riproposizione di successi come “Take Me Out” e “Walk Away”, cantata da tutto il pubblico. Si va avanti a ballare fino a “Michael”, che incorona i Franz Ferdinand come vincitori della serata.

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• Robots: si perde davvero il conto di quanti ce ne sono. La cosa più pregevole è la varietà di foggia e dimensione degli alieni che appaiono su schermo. Si va da robot-mosche a robot-moto passando per il robot-pantera, rivisitazione del Ravage di Soundwave. Il design segue la linea stilistica che ha funzionato bene nel primo film, con alcuni deragliamenti preoccupanti. Jetfire, un robot “vecchio” è rappresentato con barba e bastone, manco stessimo guardando Cars della Pixar. Per fortuna però c’è Devastator. Sì, la sua presenza era stata annunciata fin dall’inizio ma vederlo su schermo è tutta un’altra cosa, soprattutto perché i fanboy si accorgeranno di lui prima della sua apparizione e stenteranno a trattenere un’esclamazione di godimento.
• Epicità: Michael Bay stavolta ce ne ha messa talmente tanta che ha fatto il giro e è diventata scontanta. Ci sono più tramonti qui che in qualsiasi altro suo film (notoriamente composti per il 50% da tramonti), i militari grondanti patriottismo sono ovunque e l’ambientazione egizia fa il resto regalando maestosi paesaggi immersi nella luce del tramonto - ovviamente. E poi OGNI volta che Command… ahem, Optimus Prime si trasforma si sente una musica epica. Ogni volta.
• Combattimenti: se già nel primo film alcuni scontri erano epocali (Starscream contro i caccia e Optimus contro Bonecrusher) qui il tasso di spettacolarità schizza alle stelle. Si comincia con il combattimento/inseguimento che apre il film e si finisce con una royal rumble di 30 minuti. E in mezzo c’è lo scontro Optimus Prime vs 6 Decepticon che lascia a bocca aperta per tutta la sua durata.
• Cazzate: qui si va oltre il livello di guardia, e il personaggio di John Turturro lo esemplifica alla perfezione. Nel primo film Turturro interpretava un militare pasticcione, le cui battute divertenti bilanciavano un ruolo inizialmente negativo. Qui invece è semplicemente diventato una caricatura, arrivando a sembrare il protagonista di un qualunque film comico demenziale. E tutti sappiamo bene che non si escherza con Jesus.

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  I Placebo non hanno mai avuto bisogno di creare un sound personale, avendolo trovato già al primo colpo con il debutto omonimo. Da allora il percorso di Brian Molko si è diramato in direzioni che hanno cercato di esplorare tutte le dimensioni di quel panorama sonoro, dall’introversione depressiva di “Whitout You I’m Nothing” ai chiaroscuri di “Sleeping With Ghosts”. Parliamo comunque di sfumature più che di rivoluzioni, ed è per questo che “Battle For The Sun” segna il più grosso salto finora compiuto dai Placebo.

  Il mood è, per la prima volta, apparentemente positivo. Sono sparite le ballad, i testi si sono parzialmente svincolati dall’ossessivo pessimismo e David Bottrill ha pulito i suoni epurando ogni riverbero d’oscurità . Prendiamo ad esempio “Ashtray Hearth”: è la canzone più vicina al sound tipico dei Placebo ma è resa più luminosa da coretti allegri ed effetti di synth, ormai divenuti imprescindibili nell’economia degli arrangiamenti. Altri episodi fanno invece intravedere elementi del tutto nuovi, a cominciare dal singolo “For What It’s Worth”, passando per la cadenzata title-track fino alle divagazioni disco-dance di “Julien”.

  Tra sicure hit ed immancabili filler, tutto sembra funzionare abbastanza bene e Steve Forrest si dimostra un ottimo sostituto dello storico batterista Steve Hewitt, giovando non solo all’immagine della band. Tutte queste belle cose rischiano però di non lasciare segni, rivelando come sotto il gusto fresco e quasi solare si nasconda un’insapore neutralità emozionale.

  Articolo pubblicato su Loudvision

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  Ciao Deivn, mi spieghi cos’è successo tra “abbandono la scena musicale” e “sono tornato con un nuovo progetto e 4 album”?
  Ero arrivato a un punto in cui mi sono reso conto che gran parte della mia esitazione nell’esibirmi e nel rilasciare interviste era causata più da una mancaza di autocontrollo che da un effettivo calo del desiderio di fare musica. Negli ultimi 3 anni sono riuscito in qualche modo a riprendere il controllo di me stesso e ho riscoperto le mie motivazioni.

  Hai in programma 4 nuovi dischi: 1 intimista, 1 divertente, 1 metal e 1 ambient. Perché invece non hai provato a fare un unico album che fosse al tempo stesso intimista, divertente, metal e ambient? Non la vedo una cosa impossibile, per te.
  Infatti credo che questo sia il mio obiettivo dopo i primi 4 album. Ho pensato che per ora fosse meglio tenere i vari sound separati per definire meglio ogni dettaglio in vista della creazione di un sound completamente nuovo.
  
  “Ki” trabocca delle più disparate influenze. Quali saranno i punti di riferimento principali del prossimo album, “Addicted”? Dalle anticipazioni che lo definiscono come disco di metal cazzone mi aspetterei una cosa tipo Punky Brüster (che amo particolarmente)…
  Mi dispiace deluderti ma sarà molto differente da Punky Brüster… pensa piuttosto a qualcosa tra Ocean Machine e Physicist, molto pesante, carico di groove e pieno di melodia.

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  1. Come e con quali obiettivi nasce la divisione Enterprise Mobility di Motorola?
  Da gennaio 2009 Motorola ha deciso di accorpare nella divisione unica Enterprise Mobility Solution, la due unità EMB (Enterprise Mobility) e G&PS (Government & Public Safety) dedicata alla PA. L’intento è quello di integrare le proposizioni tecnologiche dei due comparti, cogliendo opportunità in forte sinergia commerciale grazie a un portafoglio di soluzioni ad ampio spettro tecnologico, punto di forza oggi delle due divisioni. Un esempio è dato dai mercati ‘mission critical’ come forze di Polizia, servizi di Pronto Intervento, Aeroporti e altri contesti operativi, che potranno non solo beneficiare di soluzioni radio Tetra o PMR, ma anche accedere a piattaforme tecnologiche basate su computer palmari, scanner e acquisitori di immagini, per la gestione in tempo reale di applicazioni, dati e informazioni.

  2. Quali sono le esigenze specifiche delle Piccole e Medie Imprese italiane rispetto alle altre tipologie di imprese?
  Il mercato delle Pmi credo sia ad oggi quello che sta più soffrendo la tensione economica attuale. Gli investimenti in IT si sono ridotti e vengono diluiti nel tempo in attesa di congiunture economiche più propizie, mentre i budget di spesa sono in contrazione se non cancellati. Ciò nonostante - per quanto riguarda il nostro mercato - escludiamo la parola recessione. Questo è probabilmente dovuto al fatto che attraverso i nostri prodotti offriamo alle imprese ritorni dell’investimento a breve-medio termine, con un focus specifico sui guadagni di produttività ed efficienza.
  Negli ultimi 3 anni, la divisione Enterprise Mobility Business di Motorola in Italia è cresciuta del 25-30% annuo, ed è chiaro che non possiamo aspettarci lo stesso per 2009, anche se le previsioni di fine anno tendono più a consolidare la crescita che a registrare una flessione.
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